miércoles, 31 de agosto de 2011

Gattaca (1997)


Ambientada en una sociedad futura, en la que la mayor parte de los niños son concebidos in vitro y con técnicas de selección genética. Vincent (Ethan Hawke) es uno de los últimos niños concebidos de modo natural, pero nace con una deficiencia cardíaca y no le auguran más de treinta años de vida. Se le considera un inválido y, como tal, está condenado a realizar los trabajos más desagradables. Su hermano Anton, en cambio, ha recibido una espléndida herencia genética que le garantiza múltiples oportunidades. Desde niño, Vincent sueña con ir al espacio, pero sabe que, dada su condición de inválido, nunca será seleccionado. Durante años ejerce toda clase de trabajos hasta que un día conoce a un hombre que le proporciona la llave para formar parte de la élite: adoptar la identidad de Jerome (Jude Law), un deportista que se quedó paralítico por culpa de un accidente. De este modo, Vincent ingresa en la Corporación Gattaca, una industria aeroespacial, que lo selecciona para realizar una misión en Titán. Para hacer frente a las constantes pruebas genéticas a las que es sometido, deberá emplear inteligentemente las muestras de sangre y tejidos que Jerome le prepara. Todo irá bien hasta que el director de la misión es asesinado y la consiguiente investigación le crea dificultades para proseguir con su plan.

País: USA
Director: Andrew Niccol

Gattaca es una de esas cada vez más raras obras cinematográficas tan trabajada en los aspectos técnicos y estéticos, como abundante de reflexiones y profundas ideas. Reflexiones e ideas de mucho interés, sobre tantos aspectos del ser humano, que es imposible quedarse con una sola. La película tiene tantos mensajes, que se trata sin duda de todo un ensayo sobre la condición humana, de sus virtudes y sus defectos.

La película técnicamente es perfecta. Niccol creó una historia y una película inolvidables, gracias a un argumento sumamente original (algo cada vez más raro por desgracia) y a una dirección impecable. La atmósfera minimalista que nos muestra este 'futuro no tan lejano' ayuda a crear ese clima un tanto pesimista, en un mundo que busca la perfección, alejándose del calor humano. La estética y los escenarios consiguen todo esto; vestuarios sumamente cuidados e impresionantes espacios que de verdad consiguen situarnos en un futuro próximo. Sin duda, Gattaca, es toda una lección, además de otras muchas cosas, de hacer ciencia ficción de calidad sin necesidad de impresionantes efectos especiales, ni desvaríos tecnológicos. Solo hace falta inteligencia, originalidad y un guión que atrapa al espectador desde el primer minuto.

El trío protagonista se complementa tan bien, que consigue hacer llegar al espectador lo que sienten. Sus frustraciones, sus sueños... Jude Law hace uno de los papeles de su vida; y Ethan Hawke y Uma Thurman están excelentes en todo momento. Consiguen que no te puedas imaginar esta misma historia con otro reparto.

La lista de grandes frases y escenas memorables de la película, es casi interminable. Gattaca en sí es un continuo desfile de bellas imágenes, y de excelentes diálogos, todo ello complementado con una sublime banda sonora a cargo de Michael Nyman. La originalidad que desprende en cada segundo, es casi inigualable. Por derecho propio, Gattaca ya es un clásico de la ciencia ficción, y una de las mejores películas de los últimos 20 años. Amistad, amor, ilusiones rotas, afán de superación, la lucha tanto interna como con la sociedad por alcanzar un sueño... La ristra de temas que toca la película es tan larga como interesante. Y de un valor espiritual y humano muy alto. Una película inolvidable y maravillosa.

viernes, 26 de agosto de 2011

Le Concert (2009)


En tiempos de Brézhnev, Andreï Filipov, el mejor director de orquesta de la Unión Soviética, estaba al frente de la célebre orquesta del Bolchoï. Pero fue destituido, pues se negó a despedir a los músicos judíos, entre los que estaba Sacha, su mejor amigo. Treinta años después, sigue trabajando en el Bolchoï, pero como hombre de la limpieza. Una tarde en que se queda trabajando hasta muy tarde, descubre un fax dirigido al director del Bolchoï, en el que el Teatro del Châtelet invita a la orquesta a dar un concierto en Paris. Entonces, a Andreï se le ocurre una idea peregrina: reunir a sus antiguos amigos músicos con el fin de que suplanten a los músicos oficiales del Bolchoï. Sería una oportunidad única de tomarse la revancha...

País: Francia
Director: Radu Mihaileanu


Hay películas que te dejan con una sonrisa por dentro y por fuera al acabar, de esas películas especiales de las que sabes que hay pocas. 'Le Concert' es una de ellas; y también una muestra de la calidad del cine europeo, y de que las buenas películas de verdad, ya no hay que buscarlas en el aburrido y trillado Hollywood.

Habrá quienes le busquen como defecto, que ciertos aspectos de la trama son muy inverosímiles... puede ser... pero, ¿qué más da? Es una película al fin y al cabo, y cumple su objetivo sobradamente: sorprender, entretener y emocionar al espectador. Muchos cometen el error de andar buscando inexactitudes en el guión en vez de disfrutar de la película y de su mensaje.

'Le Concert' cuenta una historia con un importante trasfondo político (de caracter claramente anticomunista, por cierto) en el que el ritmo ágil del guión nos va llevando por situaciones muy graciosas, con grandes frases y choques culturales que nos dejan escenas para el recuerdo, gracias en gran parte al famoso temperamento ruso. Pero también tiene su parte crítica, y más amarga; la de los sueños rotos, la injusticia, la esperanza perdida y reencontrada... Todo ello perfectamente conseguido gracias a las actuaciones, sobretodo, de Aleksey Guskov, Dmitri Nazarov y una bella y delicada Mélanie Laurent, en un papel diametralmente diferente al que protagonizó en Malditos Bastardos, en esta ocasión cercana y humana, consigue que el espectador sienta lo que ella está sintiendo.

Lo más destacable, sin duda, es el final; de esos finales grandes, de los que confirman que estás viendo una gran película. Y la música... que decir de la música, solo por poder escuchar los dos primeros movimientos del concierto para violín de Tchaikovsky vale la pena ver la película, se sea aficionado o no a la música clásica, pues pocos habrá que no se estremezcan ante tal armonía y perfección musical. Y ese es otra de las cualidades de 'Le Concert', buscar esa fusión entre el 7º arte y la música, para emocionar al espectador.

En definitiva, una película más que sobresaliente, con una magnífica dirección y puesta en escena. Original, emocionante, divertida, irónica, mordaz. GENIAL.

martes, 23 de agosto de 2011

Perdición (1944)


MacMurray es un vendedor de seguros que, en connivencia con Barbara Stanwyck, elabora un plan para asesinar al marido de ella y quedarse con el dinero de su seguro.


País: USA
Director: Billy Wilder


Perdición es una de las obras cumbres del cine negro. Una de las mejores películas que se han hecho, y que junto a 'El apartamento' o 'Testigo de cargo' corona a Billy Wilder como uno de los mejores directores de la historia... Perdición fué una de sus primeras películas, y sin duda una de sus obras cumbres.

La trama engancha desde el primer momento al espectador; algo que en parte se consigue gracias al protagonista, que va narrando la historia desde un momento posterior a todo lo ocurrido; una historia elaborada, que gira alrededor de tres personajes, magnificamente interpretados por Fred MacMurray, Barbara Stanwyck que lo borda en su papel de femme fatale, y sobretodo un estelar Edward G. Robinson, como el sagaz detective de la compañía de seguros a la que los dos anteriores quieren estafar.

Por todo esto, la película es absorbente, con un guión perfectamente elaborado que mantiene el interés en todo momento; la opresiva ambientación conseguida es magnífica y remarca más los temas en torno a los cuales gira la película: el asesinato, el desengaño amoroso, la avaricia... Un clima pesimista muy bien logrado en los momentos oportunos, gracias a la dirección de Wilder, y su genial elección de escenarios, planos e iluminación, que deja escenas para el recuerdo, y que son un verdadero homenaje al cine negro, y tal vez también su cumbre.

No hay espacio para la discusión, Perdición es una película inolvidable, a la que el paso del tiempo ha sentado de maravilla, gracias a su atemporal historia, sus soberbias interpretaciones, y a la inspiración de un Billy Wilder colosal. Todo un clásico del cine en general... una obra maestra inapelable.


domingo, 21 de agosto de 2011

Berlin Express (1948)


Recién terminada la Segunda Guerra Mundial, un grupo de personas de diversas nacionalidades (un americano, un inglés, un francés, una misteriosa mujer que habla diferentes idiomas, un par de alemanes, ...) viaja de París a Berlín, vía Frankfurt. En el tren, fuertemente vigilado, también ocupa compartimento el doctor Bernhardt, un pacifista cuya misión es unificar Alemania. Un mensaje en clave accidentalmente hallado en una paloma mensajera ha puesto en alerta a militares y servicios secretos. Antes de llegar a Frankfurt, Bernhardt es asesinado, lo que supone el inicio de una complicada trama de espionaje que pondrá en peligro a todos los pasajeros, ahora unidos para desenmascarar al culpable o culpables del homicidio...

País: USA
Director: Jacques Tourneur


Berlin Express, más allá de una mera película, es un valioso documento visual de un valor histórico altísimo. Nada más empezar la película, se avisa que las escenas en Alemania han sido rodadas con el permiso de las fuerzas de ocupación aliadas; es decir, la historia transcurre en la postguerra y al ser de 1948, los escenarios son totalmente reales y tal y como quedaron después de la Segunda Guerra Mundial.

La película cuenta con un narrador en 3ª persona, con el que Tourneur nos introduce a los personajes, y distintas escenas que muestran el proceso de pacificación, en esa Alemania en ruinas después del mayor conflicto armado de la historia. Las imágenes de Berlín y Frankfurt, son impresionantes, y un terrible testimonio de lo que fue aquello.

La historia, corta y con inesperados giros de guión, avanza con ritmo frenético gracias a su elaborada y original trama; y las actuaciones sin ser gran cosa, sin duda no decepcionan, y los actores cumplen el objetivo: el de mostrar esas diferencias y esa rivalidad entre las distintas naciones de las que provienen. Pero volviendo a lo antes comentado, quizás la historia queda en un segundo plano, dado el realismo de los escenarios, y de ese viaje de París hasta Berlin, mostrando escenarios que hasta hacia poco más de 3 años antes del film eran auténticos campos de batalla.

Gracias a ello, y también a la trama, se podría decir que Berlin Express es todo un ejercicio de anti-belicismo, y una llamada a la hermandad y paz entre las grandes naciones protagonistas de una guerra que costó tanto a tantos, en un momento clave de ordenación y pacificación en Europa. Gran película.

lunes, 15 de agosto de 2011

Cherry pie (1990), homenaje a Jani Lane (DEP)


AÑO: 1990
ESTILO: Hard rock

Cherry pie fue el segundo disco de los Warrant del genio Jani Lane. El primero, siendo un gran disco con algunos temas extraordinarios, abrió las puertas del dinero y del éxito a la banda, que sin duda supo aprovechar el momento dulce que vivía el hard rock fiestero mezclado con las power ballads; el talento de Lane hizo el resto, y Cherry pie fue el disco más exitoso del grupo, en gran parte por el potencial hit que resultó ser el tema que daba nombre al disco, del que, sin embargo, Jani Lane, años después, rajaría hasta admitir que se arrepentía de haberlo creado; quizás debido a que la banda quedó algo encasillada en esa canción... Nada más alejado de la realidad, pues Warrant es un gran grupo con muchos temas realmente sublimes. Y en este disco, encontramos varios, detrás de esa facilona y repetitiva ''Cherry pie''.

La misma canción que abre el disco. Como ya hemos dicho, fue el gran éxito del grupo, siendo de las más flojas de este disco. Tema fiestero, con un estribillo coreable y riff de guitarra machacante... en la onda de la época. ''Uncle Tom's Cabin'' ya son palabras mayores; una de las mejores canciones del grupo, con un trabajo de guitarras descomunal y una fuerza arrolladora, la calidad de la banda queda patente aquí. ''I saw red'', sin palabras; una de las mejores baladas del estilo y tal vez del rock. Brillante interpretación de Lane acompañado de acústicas y piano en la primera mitad del tema, para dar paso a las eléctricas con un riff potente que hace de puente para que Lane cambié totalmente la entonación, finalizando el tema con rabia, escupiendo la letra con una voz desgarradora y llena de sentimiento... un tema maravilloso. ''Bed of roses'', temazo con mucho gancho, en el que los teclados ayudan a crear ese estribillo tan pegadizo. ''Sure feels good to me'', hard rock rápido, sin concesiones, con un solo de guitarra vertiginoso. ''Love in stereo'', enorme tema de puro rock 'n' roll, con piano incluído; marchosa a más no poder. ''Blind faith'', de nuevo, baladón: acústicas para la intro y comienzo lento, hasta que el tema adquiere intensidad en el estribillo; grandes coros. ''Song and dance man'', en la línea de ''Uncle Tom's cabin'', salvando las distancias, pero aún así muy buena. ''You're the Only Hell Your Mama Ever Raised '', más dosis de hard rock ochentero de buena cosecha. ''Mr Rainmaker'', otro tema extraordinario que deja claro que Warrant no son un simple grupo de tres hits hiper comerciales y con los mismos clichés de tantas otras bandas de la segunda mitad de los 80s... y para terminar de confirmarlo, ''Train train'', buen tema con tintes sureños y con acertadas notas de harmónicas.

Contrario a lo que muchos puedan imaginar de este album, Cherry pie es mucho más que el hit de mismo nombre y la power ballad de turno. Incluso me atrevería a decir que ''Cherry pie'' es la peor canción del disco, ya que casi todas las demás son de un nivel superlativo. ''I saw red'' o ''Uncle Tom's cabin'' no están al alcance de cualquier grupo. Una discazo sin desperdicio.


martes, 9 de agosto de 2011

Con la muerte en los talones (1959)


Debido a un malentendido, a Roger O. Thornhill, un ejecutivo del mundo de la publicidad, unos espías lo confunden con un agente del gobierno llamado George Kaplan. Secuestrado por tres individuos y llevado a una mansión en la que es interrogado, consigue huir antes de que lo maten. Cuando al día siguiente regresa a la casa acompañado de la policía, no hay rastro de las personas que había descrito.


País: USA
Director: Alfred Hitchcock

'Con la muerte en los talones' es frecuentemente considerada una de las mejores películas del maestro del suspense, Alfred Hitchcock... y eso es mucho decir, dada su gran y majestuosa filmografía. Pero no es para menos, pues la película es genial en todos los sentidos. Un auténtico clásico, totalmente atemporal, clave en su momento, y sumamente influyente para el cine de acción y de espías posterior.

Utilizando como punto de partida una de sus situaciones preferidas (la del hombre común que por un giro imprevisible del destino se ve involucrado en una situación excepcional), Alfred Hitchcock dejó una verdadera obra maestra del cine; impecable en todas las facetas, pues tiene un guión original y muy ágil, actuaciones memorables de los protagonistas, una banda sonora sobresaliente, y sobretodo una fotografía y dirección insuperables. Cada escena es una lección de cine, y los escenarios no pueden estar mejor elegidos y representados, llenos de detalles y de realismo. Tanto los primeros planos como los panorámicos, son acertadamente elegidos, para que el espectador siga la historia y se sienta parte de ella. Para el recuerdo y la historia del cine quedarán la escena de la avioneta, o la del Monte Rushmore al final del film.

En cuanto a los actores, el protagonista absoluto es Cary Grant, que hace un papelón como Roger Thornhill el despreocupado y espabilado ejecutivo publicitario que se ve por una confusión, envuelto en una trama llena de situaciones inverosímiles. La bella Eva Marie Saint como la enigmática Eve Kendall y James Mason y Martin Landau como 'los malos' de la historia, completan el reparto de protagonistas.

Sin duda una película especial, mítica, llena de detalles, frases para el recuerdo, escenas inolvidables, y con una historia adictiva con situaciones repletas desde acción hasta humor; porque de esto último, también lo tiene 'Con la muerte en los talones', y mucho. Rotunda obra maestra.

lunes, 8 de agosto de 2011

The Majestic (2001)


El guionista Peter Appleton se ve obligado a huir de Hollywood a causa de la caza de brujas emprendida por el senador McCarthy en la década de 1950. Peter sufre un accidente de coche que le deja amnésico y es rescatado por los habitantes de un pueblo cercano...

País: USA
Director: Frank Darabont

Después de dirigir 'Cadena perpetua' y 'La milla verde', quizás el listón estaba demasiado alto para Frank Darabont, que en el 2001 nos dejó este film aclamado por una parte de la crítica y vapuleado por otra.

'The Majestic' no llega al nivel de las dos antes nombradas, pero es una gran película, que cuenta una bonita historia con un regusto a cine clásico que le da ese toque especial para hacerla destacar de la mayoría de películas actuales. Que la historia transcurra en los USA de los 50's ayuda bastante, y la ambientación es excelente y cuidada al máximo detalle. La película a pesar de contar con un excepcional Jim Carrey que vuelve a demostrar que puede actuar tan bien en un drama como en una comedia, fue un sonoro fracaso en las taquillas y acusada de sensiblera e inverosímil. Sensiblera tal vez, pero... ¿acaso es algo malo eso?, e inverosímil... pues no deja de ser una película ficticia al fin y al cabo.

La historia atrapa desde su comienzo, y las geniales actuaciones de sus protagonistas, especialmente de Carrey y Martin Landau, hacen el resto. Quizás el mérito de la película está en su capacidad de emocionar pero también de sacarle la sonrisa al espectador. Puede pecar algún detalle o escena de americanada, pero teniendo en cuenta la crítica que lanza el film ya casi al final a esa caza de brujas que se dió en USA durante la Guerra Fría, es algo más que perdonable. Cuando quieren, los cineastas norteamericanos también son autocríticos. Gran película.

domingo, 7 de agosto de 2011

Autumnal (2009), una verdadera obra de arte


AÑO: 2009
ESTILO: Symphonic metal

Uno de los mejores discos que se han hecho nunca en este país. Así de claro. Autumnal es una verdadera obra de arte; un disco que va más allá de un mero estilo o tipo de música, pues mezcla perfectamente géneros tan dispares como el metal o la música clásica, fusionando orquestas, coros, guitarras, bajo y baterías en temas de una complejidad impresionante, pero no por ello cargantes o aburridos. Todo lo contrario, pues todas las canciones del disco comparten características que los hacen geniales: estribillos coreables, coros opulentos, pasajes instrumentales fantásticos... características que no hubieran sido posibles sin la sobresaliente producción de la que hace gala este trabajo, a cargo de Luigi Stefanini y Enrik García (guitarrista del grupo).

El gran mérito de este disco, y lo que lo hace especial, es esa capacidad de transportarnos a otras épocas, pues tiene elementos tan diversos, que unas veces nos podrán sonar medievales, otras barrocos, otras neoclásicos y otras góticos. Sin duda todo un alarde de genialidad, y algo que convierte a este disco en algo especial y único. Las orquestas, el trabajo impresionante a las guitarras de Enrik (que se erige como uno de los mejores guitarristas nacionales), la pomposidad en algunos pasajes, los impresionantes coros y acompañamientos de voces femeninas, hacen posible esa conceptualidad del disco, y crean un estilo practicamente personal y único.

La primera canción es prueba de todo lo que se ha comentado hasta ahora... 'Swan Lake', versión acelerada de 'El lago de los cisnes' de Tchaikovsky, es una rotunda obra maestra, un tema al alcance de pocos grupos hoy en día... 8 minutos de genialidad, talento, virtuosismo y perfección. Le sigue '0n the hill of dreams', single del album; un tema con teclas y de ritmo más lento, casi de medio tiempo... toda una muestra de elegancia y melodía. 'Phantom queen' por su parte, tiene un corte más folk, medieval, y un estribillo lleno de fuerza y epicidad.

Pomposidad y tempo otra vez acelerado es lo que encontramos en 'Faustus', tema en el que destacan los cambios de ritmo y los coros, atención también al solo de guitarra de Enrik... impresionante. El neoclacisismo de 'Don't look back', la épica de 'When the sun is gone', la grandilocuencia de 'For her', el goticismo de 'The enchanted forest', o el final puramente sinfónico con la instrumental 'Fallen leaves waltz', completan una de las obras cumbres del symphonic metal, y casi que de la música en general.

Un grupo infravalorado, pero de un talento, una capacidad compositiva y una calidad increíbles. A parte de Enrik García al que ya hemos destacado, convendría también hacerlo con Alfred Romero, que hace un trabajo inmejorable a las voces, demostrando una evolución y mejoría respecto a trabajos anteriores dignas de aplauso. En definitiva, un trabajo descomunal, un disco irrepetible, una obra maestra atemporal.

jueves, 4 de agosto de 2011

Más allá de la duda (1956)


Un escritor intenta demostrar la deficiencia de las leyes y la ineficacia de la policía, colocando falsas pruebas contra sí mismo en un caso de asesinato.

País: USA
Director: Fritz Lang

Dos iconos del cine negro, Fritz Lang como director, y Dana Andres en el papel protagonista, nos dejan este film, intenso, de apenas 80 minutos y con un guión lleno de giros inesperados. En blanco y negro y en muchas situaciones, con la oscuridad de la noche, la atmósfera nos mete de lleno en la historia.

Andrews interpreta a un escritor en busca de la historia perfecta para su nuevo libro. Su futuro suegro le da la idea: aprovechando un asesinato archivado por falta de pruebas, escribir sobre el imperfecto sistema judicial norteamericano, y en concreto, sacar a la luz los pocos escrúpulos de los fiscales, capaces de todo para arrancar veredictos de culpabilidad sin apenas pruebas. El osado escritor se meterá de lleno en la historia de la chica asesinada, poniendo en peligro su trabajo y su futuro matrimonio.

La emoción y la incertidumbre están garantizadas hasta el final. Destacar también, el papel de Joan Fontaine, siempre deslumbrante, que como siempre, brilla con luz propia en esta película oscura y muy entretenida.

La extraña pareja (1968)


Dos divorciados deciden compartir un apartamento en Nueva York, pero sus caracteres y sus estilos de vida son absolutamente incompatibles. La obsesión por la limpieza y el orden del meticuloso Felix (Lemmon) resulta desesperante para Oscar (Matthau), capaz de desordenar el apartamento a la velocidad del rayo.

País: USA
Director: Gene Saks

Genial comedia, de finales de los 60's, pero aún así muy actual; y también diría que atemporal, pues la trama parte de algo tan básico como la convivencia entre dos compañeros de piso. En este caso, dos amigos, divorciados, y muy diferentes; uno, obsesionado con el orden y la limpieza, y el otro, el desorganizado, el desastre andante... Jack Lemmon y Walter Matthau respectivamente, quienes hacen un gran papel, y forman una pareja de leyenda, con mucha química y momentos desternillantes. El guión, ágil y original, coloca a los protagonistas en situaciones tan divertidas como inverosímiles, y la mayor parte del mismo casi podría parecer una obra de teatro, al transcurrir en el apartamento que ambos protagonistas comparten.

Grandes frases, momentos muy divertidos, personajes entrañables... todo lo que se le puede pedir a una comedia. Peliculón.